Anatomia Dibujada by tulkaskiki25 on Scribd

Las proporciones del cuerpo humano

La preocupación por las proporciones del cuerpo humano por unas leyes que regulen la belleza, en su representación, se remonta a los comienzos de la llamada cultura occidental. Desde el arte se buscan explicaciones y respuestas; si en la época prehistórica la representación surge por cuestiones mágicas y de invocación, en épocas posteriores cuando es el propio placer estético el generador. El intento de representar al hombre ideal, al modelo de belleza, es el motor de la búsqueda de las proporciones que expresen esa idea. A esto se le va a sumar el deseo de concretar, describir y, por lo tanto, retratar identidades concretas, personajes y modelos reales que, a su vez, representen o simbolicen la idea concebida por los artistas que evoca la armonía universal.

Este concepto de armonía, como fruto de un orden universal, pervive también en el arte contemporáneo con aplicaciones en muy diversos campos. El arquitecto Le Corbusier se refiere a esta armonía en un tono ciertamente místico en su obra El Modulor.

A lo largo de la historia el estereotipo de belleza utilizado por los griegos en las representaciones de la figura humana resurgirá posteriormente. El artista en el Renacimiento añadirá a esa tendencia idealista, el estudio racional de la anatomía humana, la aplicación de las normas de la perspectiva y una técnica más perfeccionada.
Para representar el cuerpo humano debemos tener en cuenta que su forma externa se caracteriza por una simetría con pequeñas irregularidades que son las que dan carácter personal e individual. Además se ha podido comprobar que presenta una gran regularidad en las relaciones del tamaño de las distintas partes entre sí y con el todo, es decir, en las proporciones.
Al realizar el análisis formal de las estructuras naturales, en este caso del cuerpo humano, se plantea la comparación utilizando figuras geométricas o números y series numéricas para establecer las relaciones entre las partes.

El primer método es el que se utilizó por los gremios de la Edad Media y que podemos ver en los famosos dibujos del arquitecto Villard de Honnecourt donde superpone una norma preestablecida sobre las figuras.

El segundo método, fruto de los estudios de Leonardo da Vinci, tiende a extraer una norma métrica a partir de observaciones de hechos naturales, midiendo y comparando individuos. El concepto de trazado regulador quedó consolidado con la formulación teórica llevada a cabo por Le Corbusier, que el mismo aplicó en sus obras.

Denominamos canon al conjunto de proporciones que hacen que todas las partes estén en su justa relación entre sí y con el todo. La medida determinante o de referencia es el módulo, y las relaciones entre las distintas partes serán las proporciones. Los cánones y módulos han variado a lo largo de la historia, con los distintos periodos artísticos.

              El arte egipcio     representa las figuras tomando como referencia la longitud de los dedos: 19 dedos equivalen a unas 7 cabezas; las figuras resultan esbeltas porque tienen las piernas extremadamente largas y el tronco es especialmente corto. Este canon es naturalista y corresponde a proporciones frecuentes entre los egipcios.

Los griegos del Periodo Arcaico también representaban sus figuras con las piernas largas y el tronco corto, unidos a un hieratismo similar al egipcio. Sin embargo, el Periodo Clásico asume totalmente el ideal de belleza en las representaciones que hacen del cuerpo humano cuyo canon es dictado de modo ejemplar en el Doríforo de Policleto que emplea una altura entre 7 cabezas y 7 y3/4 según se tome como modulo la altura de toda la cabeza o se tome desde el nacimiento de pelo hasta la barbilla

De esta obra solamente se conservan copias romanas hechas en mármol, se supone que el original estaba hecho en bronce lo cual repercute en el tratamiento formal ya que la percepción de volúmenes es distinta en cada material. La representación de músculos, vasos sanguíneos y articulaciones es de tal exactitud anatómica que nos permite admitir que el canon se dedujo por estudios comparativos extraído de modelos naturales de cuerpos de atletas.

Posteriormente, en el siglo IV a. de C., Praxíteles utilizará un canon algo más estilizado de 8 cabezas que será el que predomine a partir de entonces. El tratamiento formal que emplea es más suave y flexible lo que nos acerca a la calidez de los cuerpos vivos. En la Venus de Nilo encontramos de nuevo aplicado este canon.

Los griegos también tenían en cuenta los puntos de vista y la colocación de la obra, la iluminación que recibía o el material en que sería hecha son determinantes en el tratamiento, incluso en el canon aplicado como podemos apreciar en la Venus de Milo que representa a la diosa de la belleza y sin embargo tiene las medidas del rostro y del tronco asimétricas y su altura es de 8 cabezas y media ya las piernas son más largas de lo habitual debido a que debía estar puesta sobre un pedestal.

El Románico las figuras carecen de importancia como tales y su representación no pasa de ser una figuración esquemática, sin intención naturalista o realista.

En el periodo gótico las figuras se alargan intencionadamente de manera artificiosa, aunque se alejen así de las formas reales; intentan reproducir el natural a pesar de que carecen de conocimientos anatómicos, la observación y le percepción de las formas les guían en la descripción de las figuras

Este alargamiento de las figuras es evidente en el San Sebastián de Boticelli que tiene 9 cabezas, sin embargo el resultado está proporcionado ya que el centro del cuerpo está situado donde corresponde, mientras que si observamos la Eva de Van Eyck encontramos una clara desproporción ya que el cuerpo es demasiado largo y las piernas muy cortas aunque el total mida 8 cabezas y media.

En el Renacimiento la revolución cultural afecta a todos los sectores, el arte se libera e independiza de las ataduras religiosas, la representación del cuerpo desnudo va unida a los temas profanos y mitológicos que resurgen. Los estudios sobre las proporciones en el hombre, unido al afán dictar normas que permitan explicar racionalmente estas relaciones las encontramos por doquier. Durero, en sus dibujos y esquemas sobre la estructura corporal precisó que no existía un solo canon al aplicar cálculos teóricos a las proporciones y generalmente representa el tronco corto y brazos y piernas largos, en un

canon de 8 cabezas de altura. En su grabado de Adán y Eva quiso establecer las proporciones normales que había estado buscando, a pesar de ello empequeñeció la cabeza por lo que las figuras tienen una altura de 9 cabezas, lo que las aparta de lo natural.

De entre los grandes artistas italianos a Miguel Ángel se le atribuye el hecho de partir en sus obras del tronco al que después añade brazos y piernas por lo que el resultado final no suele responder a un canon.

No sucede lo mismo con Leonardo da Vinci que presenta en su Tratado de la Pintura una figura modelo que dice haber calculado expresamente sobre 8 cabezas de altura.

En esta reproducción de la copia de una obra perdida de Leonardo, la figura de Leda se ajusta exactamente a este canon y se adapta perfectamente al contraposto clásico, mientras que su anatomía responde perfectamente a la de una modelo viviente, con lo que responde al espíritu predominante renacentista en el que la una figura se idealiza dentro del espíritu clásico, utilizando conocimientos científicos de anatomía.

El ideal de belleza se adapta a los cambios sociales, de manera que en épocas posteriores vemos la exhuberancia de los desnudos de Rubens, el naturalismo de Rembrandt y de Goya, la influencia de la moda en las figuras del rococó de Boucher, el nacionalismo que impregna las figuras del neoclasicista Thorwaldsen para llegar al soberbio naturalismo de Rodin muestra su profundo conocimiento de la anatomía del cuerpo humano a pesar de mostrar menosprecio hacia formas y proporciones clásicas

Sabios y artistas han inventado numerosos sistemas según los cuales debe ser construido el canon; como módulo suele utilizarse, como hemos visto, la cabeza. Estos sistemas de proporción se fundan en especulaciones teóricas. Tienen ante todo un valor histórico, porque representan la figura ideal a la que ha llegado determinado artista o determinada época artística, e incluso puede juzgarse hasta qué punto la representación de la figura humana ideal se aproxima a la figura humana real.

Algunos estudios basados en mediciones de individuos reales dan como resultado cánones que se aproximan a los de uso tradicional

En cualquier caso, “Al igual que la obediencia a los dogmas no hace al creyente, del mismo modo ningún hombre llega a ser artista sirviendo servilmente el código de su arte” (Abanindra Nath Tagore; Arte y Anatomía hindú)

FORMAS BÁSICAS

De igual forma que el lenguaje verbal puede descomponerse en diversas unidades de distinta significación, también tenemos un lenguaje no verbal, visual, que puede constituir un alfabeto de significación.

Es decir, que las imágenes podrían descomponerse en unidades de significación más pequeñas en función de algunos de sus componentes: color, línea, etc.

Las formas básicas  del diseño gráfico son pocas: el punto, la línea y el contorno. Pero son la materia prima de toda la información visual que aporta una composición. Cada una tiene características diferentes, lo que les permite desempeñar funciones determinadas dentro de la composición.

1.    Características Generales

Entre las características  generales de las formas destacan:

·         Forma: Definida por disposición geométrica. La forma de una zona o contorno va a permitirnos reconocerlas como representaciones de objetos reales o imaginarios.

·         Dirección: Proyección plana o espacial de una forma, continuación imaginaria de la misma aún después de su finalización física. Puede ser horizontal, vertical o inclinada en diferentes grados.

·         Color: Tal vez las más importante y evidente, puede imprimir un fuerte carácter y dinamismo a los elementos a los que se aplica. Toda forma o zona tendrá en general dos colores diferentes, el de su contorno y el de su parte interna, pudiendo aplicarse tanto colores puros como degradados de colores.

·         Textura: Modificación o variación de la superficie de los materiales, sirve para expresar visualmente las sensaciones obtenidas mediante el sentido del tacto o para representar un material dado. La textura está relacionada con la composición de una sustancia a través de variaciones diminutas en la superficie del material, y se consigue en una composición gráfica mediante la repetición de luces y sombras o de motivos iguales o similares.

·         Escala: Tamaño relativo de una zona respecto a las demás y al total de la obra. Los diferentes tamaños de las diferentes zonas modifican y definen las propiedades de cada una de ellas.

·         Dimensión: Capacidad tridimensional de un elemento o zona. La dimensión sólo existe en el espacio real tridimensional, pero se puede simular en una composición gráfica plana mediante técnicas de perspectiva, sombreado o superposición. También, mediante el uso de fotografías, que introducen espacios tridimensionales en la composición.

·         Movimiento: Propiedad muy importante, que aporta connotaciones de dinamismo y fuerza. En las obras gráficas puras no existe movimiento real, pero sí se encuentra implícito en ciertos elementos y se puede conseguir con ciertas técnicas que engañan al ojo humano (diseño cinético, pintura cinética) o representando elementos que sí lo tienen en el mundo real.

2.    El Punto

Es la unidad mínima de comunicación visual, el elemento gráfico fundamental y por tanto el más importante y puede intensificar su valor por medio del color, el tamaño y la posición en el plano. No es necesario que el punto esté representado gráficamente para tomar fuerza, ya que en cualquier figura su centro geométrico, puede constituir el centro de atención.

Está definido por su forma (generalmente circular, pero también puede ser rectangular, como ocurre en los monitores, triangular o una mancha sin forma definida), por su tamaño, por su color y por la ubicación que tenga dentro de la composición gráfica.

Las principales características del punto son:

-       Tiene un gran poder de atracción cuando se encuentra solo.

-       Puede producir sensación de tensión cuando se añade otro punto y construyen un vector direccional.

-       Da lugar a la creación de otros conceptos como el color cuando aparecen varios puntos en el mismo campo visual.

3.    La Línea

La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto.

Está formada por la unión de varios puntos en sucesión, pudiéndose asimilar a la trayectoria seguida por un punto en movimiento, por lo que tiene mucha energía y dinamismo. Su presencia crea tensión y afecta al resto de elementos cercanos a ella.

Sirve para conectar dos puntos en el espacio.

Las principales propiedades de la línea son:

-       Contiene gran expresividad gráfica y mucha energía.

-       Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección.

-       Crea tensión en el espacio gráfico en que se encuentra.

-       Crea separación de espacios en el grafismo.

-       La repetición de líneas próximas genera planos y texturas.

Una línea divide o circunda un área, se encuentra en el borde de una forma. Expresa separación de planos, permitiendo al diseñador usarla como elemento delimitador de niveles y áreas en la composición.

Las propiedades mejor percibidas de una línea son: grosor, longitud, orientación (dirección) respecto a la página, su ubicación (posición), su forma (recta o curva) y su color. Estas propiedades se verán afectadas también por el número de líneas que haya en la composición, su proximidad y la orientación relativa entre ellas.

La línea es considerada como tal mientras la relación ancho/largo no sobrepase una proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde la expresión dinámica del trazo y adquiere la estática de una superficie cuadrangular.

La unión sucesiva de líneas conforma un trazo. Los trazos dan volumen a los objetos que dibujamos y permiten representar simbólicamente objetos en la composición, eliminando de ellos toda información superflua y dejando sólo lo esencial.

La línea pueden tener los bordes lisos o dentados, con extremos rectos, redondeados o en punta. Su cuerpo puede ser sólido o texturado, y su dirección puede ser curva o recta. Y cada una de estas características matizará la forma en que es interpretada una línea por el espectador.

Podemos considerar diferentes tipos de líneas, cada uno de los cuales tiene sus propias cualidades:

·         Línea recta: Define el camino más corto entre dos puntos. Es poco frecuente en la naturaleza, donde predominan las líneas curvas (el universo en su totalidad es curvo), pero muy abundante en el entorno humano, que necesita de ellas para dar estabilidad a sus creaciones.

La línea recta horizontal expresa equilibrio, calma, equilibrio estable. No hay estabilidad sin una línea recta horizontal de referencia, una línea de horizonte, ya que nos movemos en un plano horizontal.

La línea recta vertical sugiere elevación, movimiento ascendente, actividad. También expresa equilibrio, pero inestable, como si estuviera a punto de caer. Esto se puede corregir haciendo trabajar las líneas verticales con otras horizontales de apoyo, que les darán la estabilidad de que carecen.

La línea recta inclinada, por el contrario, expresa tensión, inestabilidad, desequilibrio. Parecen que están a punto de caerse. Dentro de las líneas inclinadas, la que forma 45º con la horizontal es la más estable y reconocible.

·         Línea curva: Es la línea más libre y la más dinámica de todas, pudiendo sugerir desde un movimiento perfectamente definido hasta un movimiento caótico, sin reglas.

Está muy asociada al ser humano, que escribe y dibuja casi siempre con líneas curvas.

·        Trazo: Un trazo es el elemento lineal formado por la unión sucesiva de diferentes líneas. Es tal vez la forma gráfica más humana, la que mejor representa nuestra forma natural de dibujar.

Un trazo heredará las propiedades de las líneas que lo crean, existiendo trazos rectos, curvos o mixtos.

4.    El Contorno

Podemos definir el contorno como el objeto gráfico creado cuando el trazo de una línea se une en un mismo punto. Es decir, cuando una línea continua empieza y acaba en un mismo punto.

Todo contorno delimita dos zonas, una acotada (el contorno y su interior) y otra infinita (el fondo), creándose un sub-mundo gráfico particular en cada forma definida por cada contorno.

La línea base de un contorno define la complejidad de éste y sus propiedades. Cuando una línea se cierra sobre sí misma, el contorno creado determina un espacio interno, creándose una tensión entre este espacio y sus límites, otorgando a la línea creadora un gran poder de atracción visual.

Los principales contornos son el cuadrado, la circunferencia y el triángulo, a los que podemos añadir los contornos mixtos y los orgánicos.

·         El Cuadrado: El cuadrado es la figura geométrica formada por cuatro líneas rectas de igual longitud, denominadas lados, que forman ángulos perfectamente rectos en los puntos de unión entre ellas (esquinas a 90º).

El cuadrado es una figura muy estable y de carácter permanente, asociada a conceptos como estabilidad, permanencia, honestidad, rectitud, limpieza, esmero y equilibrio.

La figura derivada del cuadrado por modificación de sus lados es el rectángulo, de propiedades análogas al cuadrado, aunque sugiere menos perfección y estabilidad.

El cuadrado expresa direccionalidad horizontal y vertical, referencia primaria con respecto al equilibrio y el bienestar. Es menos sugerente y más neutro que los rectángulos, pero más sólido. Invita a mirar su centro y pasear la mirada en espiral en torno a ese punto.

Los rectángulos horizontales aportan solidez, estabilidad, dan la sensación de ser difíciles de volcar. Cuando son de gran tamaño permiten que la mirada el espectador se pasee de un lado a otro, en sentido horizontal.

Los rectángulos verticales, por el contrario, da sensación de menos solidez, es menos estable, parece que puede volcarse en cualquier momento. En ellos, la mirada del espectador no puede de un lado a otro, pero puede moverse verticalmente, dando sensación de elevación, y es apto para representar aquellos objetos que en la realidad tienen una forma ascendente.

Los cuadrados y rectángulos verán modificadas sus cualidades visuales según su forma, tamaño, color del contorno y área interna, ubicación, escala, etc.

La proyección tridimensional del cuadrado es el hexaedro o cubo, cuerpo geométrico muy asociado a las obras propias del ser humano, como los edificios.

Los rectángulos son las formas más naturales para un ordenador, ya que el monitor y las ventanas de los sistemas operativos gráficos son todas rectángulos horizontales.

La dureza visual de los rectángulos se puede suavizar añadiéndoles otros elementos que los modifiquen en parte. Un ejemplo de esto son las tablas o botones con esquinas redondeadas, que rompen la monotonía de la forma rectangular.

Otra forma de compensar la rigidez de las formas rectangulares es combinarlas en la composición con formas curvas que aporten libertad y dinamismo.

·         La Circunferencia: La circunferencia es un contorno continuamente curvado, cuyos puntos están todos a la misma distancia de un punto central, llamado centro del círculo. La distancia constante de cualquier punto de la circunferencia se denomina radio.

La circunferencia representa el área que contiene en su interior, denominada círculo, la forma más enigmática de todas, considerada perfecta por nuestros antepasados. Su direccionalidad es la curva, asociada al movimiento, al encuadramiento, a la repetición y al calor.

Contornos derivados de la circunferencia son el óvalo y el ovoide, con cualidades parecidas a las de ésta, pero que expresan aún más inestabilidad y dinamismo, aunque el movimiento perfecto sea una cualidad propia de la circunferencia.

La proyección tridimensional de la circunferencia es la esfera, el cuerpo geométrico más perfecto, el que contiene un mayor volumen en un menor espacio, el que define la forma tanto de los átomos como de los cuerpos celestes.

La circunferencia y el círculo son tal vez los elementos geométricos más perfectos y estables, aunque cargados de una gran carga dinámica.

·         Contornos Mixtos: Mediante combinaciones de los elementos básicos y contornos anteriores se pueden construir todas las formas imaginables, cada una de las cuales tendrá unas propiedades dependientes de las partes que la forman, de su orientación, de su tamaño, de espesor del trazo límite, de su color y de su ubicación.

Hay que tener en cuenta, en cualquier caso, que el predominio de la referencia horizontal-vertical da una sensación de equilibrio, mientras que el dominio de la dirección diagonal aporta inestabilidad.

Los contornos mixtos son muy usados en las páginas web, a las que aportan variedad en el diseño y definición de espacios de información, rompiendo la monotonía visual de las formas rectangulares puras.

·         Contornos Orgánicos: Los contornos orgánicos son aquellos formados por curvas libres.

Son los contornos más abundantes en la naturaleza, y sugieren fluidez, desarrollo, humanidad, inspirando sensaciones favorables en el espectador.

Los contornos orgánicos son utilizados abundantemente en pintura y dibujo artístico, ya que son la base para representar figuras humanas, bodegones, paisajes, etc.

TÉCNICAS DE CLAROSCURO

El claroscuroes una técnicaartística (en pintura, dibujo y grabado) consistente en el uso de contrastes fuertes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.

El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen pintadas a la acuarela. El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. En los grabados de Da Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores del chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.

La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico

El claro oscuro, se basa en lo bueno y lo malo. En lo bello y lo feo y se representa en colores o en no colores.
Loúnico q te puedo decir que literalmente es infinita la descripción, lo descubrirás si te pones a observar tu mismo en un día soleado la luz y la sobra que causa, el tratar de entender a tu retina y conectarla a tu paleta. Lo mejor será pintar al aire libre en un día soleado, trabaja con azules y tierras para crear las sombras y amarillos y blancos para las luces. Usa siempre rojo y verde para sazonar cualquiera de las 2 variantes.

En pintura se llama claroscuro el arte de las luces y de las sombras.

El claroscuro sirve para dar realce a los objetos, explicando su forma, porque el contorno no viene a ser más que una especie de sección perpendidular.

La perspectiva aérea toma mucha parte en el claroscuro. Cuando el cielo está sereno, el ambiente ilumina los objetos que están en la sombra. La luz al aire libre, si el sol está nublado, es la más adecuada, porque entonces todo el paisaje adopta un tono general armonioso, es decir, que casi toda la masa del aire se halla iluminada por igual. Es preciso considerar que las sombras nunca están por completo privadas de luz; al contrario, los objetos del primer plano deben distinguirse perfectamente, aunque sumergidos en la sombra, la cual nunca parecerá empañada como la del último plano, donde se desvance en un tono azulado, mezcla de tinieblas y de luz.

El claroscuro busca la representación de los objetos a partir del desarrollo de las zonas de luz y de sombra como un contraste simultaneo de tonos. El modelado de las formas a partir del estudio de la luz es un ejercicio que requiere un profundo estudio de valoración tonal y del funcionamiento de las graduaciones de los diferentes grises. El trabajo del claroscuro no solo permite un modelado de las formas, es importante también como afecta el cambio de luz en la composición del cuadro.

El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz.

El claroscuro propone un análisis exhaustivo del modelo con respecto a la iluminación que este reciba; por ello la luz se debe tratar de forma radical sobre la superficie de los diferentes objetos que compongan el modelo.

El ejercicio de valoración no debe limitarse a repetir la misma fórmula de graduación de grises en todos los planos del dibujo, ya que cada uno de los diferentes planos que componen el cuadro puede recibir luz de manera diferente.

Por ejemplo, un primer término puede recibir el foco de luz lateralmente, mientras que el segundo termino puede recibir tan solo parte de la luz que rebote del primero, requiriendo en su elaboración una valoración mucho mas agrisada y menos contrastada que la resolución del primer plano.

Claroscuro. En el arte es una técnica de dibujo y pintura que se basa en producir el efecto de contrastes entre la luz y las sombras. El claroscuro busca una conveniente distribución de luces y sombras en una obra, de modo que se opongan y complementen mutuamente. En escultura es un contraste acusado de luz y sombra, y se consigue por medio del trépano. En pintura, es una transición suave entre la claridad y la oscuridad, e implica la presencia de luz y color en toda sombra, y la presencia de sombra y color en toda luz.

El claroscuro es una técnica pictórica consistente en el uso de contrastes acusados entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco, en especial con MichelangeloCaravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.

El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz.
El claroscuro propone un análisis exhaustivo del modelo con respecto a la iluminación que este reciba; por ello la luz se debe tratar de forma radical sobre la superficie de los diferentes objetos que compongan el modelo.
El ejercicio de valoración no debe limitarse a repetir la misma fórmula de graduación de grises en todos los planos del dibujo, ya que cada uno de los diferentes planos que componen el cuadro puede recibir luz de manera diferente.
Por ejemplo, un primer término puede recibir el foco de luz lateralmente, mientras que el segundo termino puede recibir tan solo parte de la luz que rebote del primero, requiriendo en su elaboración una valoración mucho mas agrisada y menos contrastada que la resolución del primer plano.

Técnicas básicas del dibujo a lápiz y sombreado

Un dibujo no es solamente la transcripción gráfica de la realidad o de algo imaginado, es la forma en que se hace, que tipo de materiales se emplean y en que tipo de superficie.

Graduación y clasificación de los lápices

Los lápices de dibujo están graduados desde el 6B (muy blando) al 8 o 9 H (muy duros).
Muchos lápices en el mundo, se clasifican con el sistema europeo que usa una gradación continua descrita por "H" (para la dureza) y "B" (para el grado de oscuridad). El lápiz estándar para escritura es el HB.
Hoy en día, el sistema de clasificación de lápices se extiende desde muy duro con trazo fino y claro, hasta blando de trazo grueso y oscuro, abarcando desde el más duro al más blando.

Principalmente pueden usarse como cuando se escribe, pero la inclinación u horizontalidad de la superficie de trabajo, el material, etc., indicarán las posiciones indicadas para cada trazo en cada situación.

En la primera etapa del dibujo (boceto, croquis, esbozo..) puede hacerse con cualquier graduación si es en borrador, pero cuando es definitivo conviene hacerlo con un lápiz intermedio o semiduro.

La técnica de sombreado básica admite dos formas: con trama abierta o cerrada.El lápiz se usa en un ángulo cerrado, aumentando o disminuyendo la presión, dando como resultado sombreados como los del gráfico: zigzag abierto, líneas paralelas cerradas y líneas separadas.

Otra técnica es el "Cross Hatching," que es un tramado cruzado. Dibujas una serie de líneas diagonales y luego inclinas el papel y dibujas otra serie de líneas que las crucen. Se puede obtener una menor o mayor oscuridad según la separación que le dejes entre las líneas.

Otra técnica es el "Circulismo," que consiste en dibujar una serie de círculos pequeños que se superponen entre sí. No es necesario que los círculos sean perfectos, solamente hacerlos lo suficientemente pequeños y juntos. La oscuridad de la sombra depende del tamaño de los círculos que dibujemos asi como la presión que hagamos con el lápiz. El Circulismo es muy útil para dibujar la piel de las personas, ya que el acabado es irregular. Para este caso es bueno hacer los círculos suavemente.

Finalmente, estas tres técnicas mencionadas se pueden complementar con el Suavizado. Utilizando un trozo de papel normal, alguna tela suave o un esfumino mezclamos el grafito que pintamos en nuestro dibujo. El resultado es un color uniforme, suave.

Claves
El predominio de una de estas zonas en una composición determinará la expresión de la misma. A esta selección de los valores la denominaremos claves tonales.

Estas claves pueden ser de acuerdo a su grado de claridad u oscuridad altas, intermedias o bajas y de acuerdo con su extensión, es decir, con la cantidad de grados de valor que incluyen, mayores o menores.
En las claves mayores el valor que predomina puede estar acompañado por blanco y negros, permitiéndose así un máximo de contraste. En las claves menores la cantidad reducida de valores impone resultados de contrastes menos violentos.

Características formales y expresivas de las claves tonales:

Clave mayor alta:

Áreas mayores de grises altos y blanco. Valores muy bajos y negro distribuidos en áreas pequeñas. Es una clave estimulante, expositiva, adecuada para retratos de juventud y efectos exuberantes, luminosos.

Clave mayor intermedia:

Las grandes áreas deben corresponder a los grises medios y otras más reducidas a valores altos y bajos o blanco y negro. Es una clave franca, fuerte, pintoresca.

Clave mayor baja:

Gris oscuro distribuido en áreas mayores: los valores muy altos, el blanco y el negro en áreas menores. Su efecto es dramático, violento, utilizado para asuntos de notable fuerza expresiva.

Clave menor alta:

Las grandes áreas corresponden a valores altos y blancos, con áreas pequeñas de gris medio. Es de fondo, atmosférico, aplicada en escenas de efecto sutil.

Clave menor intermedia:

Grises medios con acentos de grises claros y oscuros, sin blanco ni negro puros. Su efecto es delicado y tranquilo, aunque es necesario controlar el contraste para que no resulte monótona.

Clave menor baja:

Gran extensión de gris oscuro y negro con acento de gris medio o claro, ausencia de blanco. Es una clave sombría, misteriosa, triste, apropiada para asuntos irreales o efectos melancólicos.